De visite dans les jardins de Claude Monet hier à Giverny, j'ai voulu tenter d'imiter le style bien connu de ses nymphéas directement sur les lieux où ils ont été peint. J'ai augmenté la saturation et j'ai tiré la balance des blancs vers le violet pour retrouver des teintes similaires à celles qu'utilisait Monet.
Iso: 100
Ouverture: f/11
Vitesse: 1/30 (à la main, je comptais sur les micro mouvements pour rendre la photo plus lisse).
APN: Canon 700d avec Canon 24-105 USM série L

Prise à Hruni en Islande en tombant sur cet endroit totalement par hasard.

Iso: 320
Ouverture: f/11
Vitesse: 1/100

Un homme se fait violemment bousculer dans une banque à la suite d’un malentendu. Il en sort précipitamment et s’enferme dans sa voiture, tourmenté par ce qu’il vient de se passer. Il reste ainsi quelques instants, les yeux plongés dans le vide avant de ressortir tout aussi hâtivement, l’air décidé, et se presse vers la banque. Il entre. Pistolet en main, il tire 12 fois sur la foule avant de se suicider quelques secondes plus tard. Et le sang coule. Longtemps. Lentement. Et nous spectateurs contemplons cette tâche écarlate se répandre en silence. La violence est là, sous nos yeux, nous la consommons et la digérons mais ne dirons rien. Cette scène des 71 Fragments d’une Chronologie du Hasard, film de Michael Haneke précédant Funny Games, m’a hanté. Elle s’est immiscée en moi et m’a travaillé durant une longue période après l’avoir visionnée. La violence semblait surgir comme un diable sortant de sa boite, c’était grotesque et pourtant fascinant. Seulement, avec du recul, l’atrocité n’émergeait pas de façon aussi inopinée. Elle n’était que l’expression plus franche d’une violence larvée présente dès le début du long-métrage. L’horreur est quotidienne ; la réciproque est d’autant plus exacte.

Cette violence ordinaire, comme Michael Haneke la conceptualise, a saturé nos vies pour finalement s’effacer devant nos yeux. Les médias, l’art, nos routines nous inondent d’atrocités telles que l’Homme n’est plus capable de les traiter correctement. Certains deviendront cyniques, d’autres individualistes et d’autres encore désabusés. Cependant, la violence nous hypnotise et nous fascine. Un phénomène bien connu illustre cela : lors d’un accident de la route il est fréquent que des automobilistes ralentissent ou s’arrêtent quelques instants pour pouvoir contempler les victimes, comme enivrés de la misère des autres. Côtoyer la mort stimule nos vies. La violence concentre notre intérêt. C’est pour cette raison que Funny Games éprouve notre rapport si unique à elle et nous plonge dans une problématique métaphysique qui nous dépasse mais ne manquera pas de nous remettre en question.


Le principe du long-métrage est simple : deux jeunes garçons investissent la maison d’un couple et de leur enfant. Tout d’abord polis puis rapidement irritants, les visiteurs s’avèrent vite plus inquiétant qu’ils ne semblaient être. Ils établissent alors un jeu et parient que la petite famille bourgeoise sans histoire sera morte avant le lever du soleil. Nous assisterons à cette nuit démente.
Le ‘’home invasion’’ est un genre éculé et surexploité, notamment durant les années 1990/2000 mais le cliché est ici tout à propos. En utilisant un concept qui stéréotype la violence gratuite, Michael Haneke amplifie son message et accroît sa portée en s’adressant directement à tous les consommateurs de ce type de long-métrages. Notre curiosité morbide est mise à mal et Michael Haneke nous manipule vicieusement en transformant notre voyeurisme peu assumé en complicité. Bien confortablement assis dans notre fauteuil, nous assistons à des meurtres perpétrés par des inconnus malicieux qui s’adressent à nous en brisant sans arrêt le quatrième mur. Celui-ci finira même d’être achevé durant une scène particulièrement cruelle, comble de l’aliénation : [spoiler] alors que l’un des bourreaux est abattu, l’autre s’empare d’une télécommande et rembobine littéralement l’action pour empêcher ce coup de feu d’être tiré, affectant ainsi concrètement la réalité du spectateur et privant la famille de tout espoir [/spoiler] . Il s’agit sans doute là de l’approche la plus extrême du déterminisme tragique que le 7e art ait offerte. La maison n’est plus qu’un théâtre où les victimes comme marionnettes restent enfermées dans la fiction. Dès lors, elles pourront être torturées en toute impunité. En revanche, les deux clowns blancs tachés de sang accèdent à une réalité bien supérieure, et nous rapprochent inévitablement d’eux plutôt que de leurs proies. Ils deviennent archétypaux et transcendent leur rôle de personnage. Alors pourquoi continue-t-on d’assister au massacre ? Pourquoi ne quittons pas des yeux cette œuvre qui soudain impose un rapport beaucoup trop ambigu avec ses spectateurs ? C’est la question que pose Haneke. « La scène idéale serait celle qui forcerait le spectateur à détourner le regard ». Crier à l’honteuse abjection lorsque le générique de fin démarre devient hypocrite car ce sont nos propres turpitudes qui ont maintenu nos yeux rivés à l’écran. Une fois le long-métrage terminé, nous avons définitivement consommé et par conséquent cautionné toute l’horreur décrite, la seule alternative étant de ne pas achever le visionnage.


« Je fais du spectateur le complice du tueur pour ensuite lui reprocher cette position. Je voulais montrer comme l’on se trouve toujours complices lorsque l’on regarde des films qui présentent la violence comme acceptable ».


Funny Games trouble aussi par ses contrastes absurdes. Ce long-métrage arbore sans arrêt deux visages qui cohabitent mais jamais ne se mêlent : celui des tueurs et celui de la famille. Les acteurs n’évoluent pas dans le même genre : alors que la famille exprime une tragédie violente et pathétique, les deux jeunes jouent une comédie cynique et malicieuse. Dès la scène d’introduction, nous savons qu’un contraste brutal existera par l’opposition du chant calme du ténor Beniamino Gigli aux beuglements punks de Naked City. Ces deux mondes ne sont pas égalitaires, ils n’obéissent pas aux mêmes règles. Ils se confrontent mais ne communiqueront jamais.

La mise en scène est exceptionnelle. Nous retrouverons les longs plan-séquences chers au réalisateur, donnant au temps une pesanteur rapidement difficile à supporter. Le cadrage est soigné, parfois même référencé et chargé d’une froideur stérile chirurgicale -comme cette tenue de golf blanche immaculée portée par les deux meurtriers, qui n’est pas sans rappeler le costume des droogies d’Orange Mécanique-. La maîtrise du hors champ est particulièrement impactante. [spoiler] Lorsque l’enfant se fera abattre d’un coup de fusil, la caméra accompagnera l’un des tueurs préparer un sandwich dans la cuisine, comme un dernier sarcasme que la mort indiffère. Nous n’entendrons que la décharge suivie des sanglots des parents. Pourtant, une image reste imprimée dans nos têtes : cette scène à laquelle nous n’assistons pas nous heurte si brutalement qu’elle finit par nous tromper. [/spoiler]
Michael Haneke fait de Funny Games une œuvre à portée introspective qui implique le spectateur, le manipule pour finalement le mettre en garde. Applaudir ce film revient à faire aveu de connivence avec la violence consommable. Celle-ci nous habite et nous fascine malgré nous, Haneke offre alors le choix de l’accepter ou la rejeter. En serez-vous complice ou la condamnerez-vous ?


« Ich kann mir kein Verbrechen vorstellen, das nicht auch ich hätte begehen können – Je ne peux imaginer un crime que je n’aurais moi-même pas pu commettre » Goethe (à Eckermann).

Note: il existe deux versions du film presque similaires, tapez dans celle que vous souhaitez même si j'avoue particulièrement apprécier le jeu de Michael Pitt dans la version US.

TL;DR: un excellent film traitant du rapport du spectateur à la violence consommable

Au col de la Luère, près de Lyon.

Iso: 800
Ouverture: F/5
Vitesse: 1/200

&quot;Vous pouvez écrire un livre, mais les pages brûleront. Vous pouvez chanter une chanson et la transmettre, vous pouvez écrire une pièce et espérer que le monde s'en souviendra et continuera de la jouer, vous pouvez construire la maison de vos rêves... Mais finalement, rien de tout cela ne compte plus que de planter ses doigts dans le sol pour enterrer une clôture ou que de baiser.&quot; Un monologue plein d'ivresse et pourtant chargé de sens qui s'interroge, comme l'intégralité du métrage, sur la place de l'individu au sein d'un univers trop grand, comme un point au milieu d'un espace infini, une lacune sans conséquences; la vie se présentant alors comme un temps de latence négligeable dans une temporalité qui se dilate et qui s’achèvera fatalement.

Et pourtant, la vie est un tout; et à aucun moment le métrage plonge dans un nihilisme profond et désespéré sans grand intérêt. Bien au contraire. La vie comme incident trivial vaut le coup d'être vécue. Et c'est à travers la mort que David Lowery nous offre une acception de la vie aussi intense.

Un couple qui restera anonyme vit son amour dans une maison américaine sans prétention. Le mari meurt dans un accident de voiture. Allongé sur sa table funéraire il se redresse, recouvert de son linceul, percé de deux trous tristes en guise d'yeux. Il devient alors un être errant muet, apathique mais toujours touchant. Nous suivons alors les pas lents et réglés de ce fantôme enfantin qui retrouve son amour et assiste impuissant à son deuil puis à ses nouvelles conquêtes, son départ pour une nouvelle vie tandis que lui reste enfermé dans la solitude de sa mort. Il se tient simplement là, debout, à observer et contempler le monde, ou plutôt son monde, restreint au cadre de sa petite maison.

Avant de partir définitivement, elle laissera un mot dans le bois pourrissant de sa maison. Ce mot devient alors la quête ultime de notre héros silencieux. Le temps alors se dilate et s'étale, un clignement d’œil pouvant devenir une décennie et un pas en avant un retour d'un siècle en arrière. Et nous spectateurs partageons la solitude du voyage de celui qui devient finalement une sorte d'ami, ou une projection de nous-mêmes au-delà de la mort. 


Le cadre est complétement maitrisé, une image en 4/3 composée à la perfection avec un certain naturalisme cher à Terrence Malick. La colorimétrie alterne entre des tons chauds et une désaturation mélancolique. Le travail sur le son est également tout aussi impressionnant que ce soit pour le choix des musiques qui donne au film toute son ambiance contemplative, surréaliste et nostalgique mais également sur la maîtrise du silence qui, lorsque l'on met en scène un fantôme, prend tout son sens.

C'est un film profondément touchant, jamais ridicule ni vain, mais toujours humain et plein de vie, assez paradoxalement. Ses thématiques -l'amour, la vie et son sens, notre pesanteur sur le temps, l'apaisement- ont été sur-utilisées voire souillées par le cinéma, mais David Lowery se les réapproprie pour créer cette œuvre unique, qui m'a atteint et m'a retourné comme je ne l'avais pas été par un métrage depuis un certain temps. 8.5/10

&quot;Am I runnin late?
I get overwhelmed
All the awful dreams
All the bright screens
Is my lover there?
Are we breakin up?
Did she find someone else?
And leave me alone?&quot;

Oui, la fleur est floue. Mais j'ai fait trois versions de cette photo à 3 ouvertures différentes et c'est celle-ci qui me plait le plus, lorsque la fleur était trop nette l'insecte disparaissait de l'image.
Iso:100
Vitesse: 1/500 s
Ouverture: f/5.6

J'ai pu assister cet après-midi à l'avant première du dernier-né de Guillermo del Toro qui sortira le 21 février en France: The Shape of Water. C'était avec beaucoup d'attentes et d'inquiétudes que je l'attendais, celui-ci nous permettant de jeter un œil sur ce qu'il serait capable de réaliser pour son adaptation tant attendue des Montagnes Hallucinées de Lovecraft.

Bon, commençons par le positif: le film est beau. C'est sans aucun doute sa plus grande qualité. Le travail sur les décors, sur la lumière et sur la créature est exceptionnel. Il s'agit je pense de la plus belle œuvre de Guillermo del Toro concernant la photographie et la mise en scène en général (merci Dan Lausteen). La colorimétrie et l’étalonnage sont divins et très cohérents, ça fait du bien. 

L'histoire, quant à elle, est assez banale et n'a rien de l'originalité qui nous a été promise. Hormis quelques scènes -qui sont d'ailleurs rapidement désamorcées tant elles sont ridicules-, le film ne va pas au fond des choses et reste très frileux dès qu'il sort de son confort. Le traitement de la créature est le même que celui qui nous a toujours été servi: l'expression de la marginalité, du mis à l'écart à l'apparence de démon mais qui a finalement un cœur d'or... Bref, le métrage fait preuve de très peu de finesse à ce niveau là.

Et si cette absence de subtilité était voulue? Le film est présenté comme un conte, et les contes ne se doivent pas -forcément- d'être subtils. Sauf que là, honnêtement, si c'est pour nous raconter que l'amour est la chose la plus profonde du monde, qu'il soigne les êtres et qu'il peut dépasser toute chose, était-il nécessaire d'en faire autant de bruit?

Parce qu'on atteint là le dernier gros problème du film: le film aborde un TAS de problématiques, dont certaines qui sortent absolument de nul part, et ne les développe absolument jamais. Peut-être sont-elles simplement là pour donner plus de caractères aux personnages déjà bien cliché dans leur écriture? En tout cas, elles rendent certaines scènes (dont une, dans le bar, qui a fait lâcher de gros soupirs dans la salle) carrément risibles.

Bref, malgré tout, je n'ai pas passé un moment désagréable et même s'il ne m'a pas transporté et touché comme je pense qu'il a été pensé, je garde une grande confiance en Guillermo del Toro pour son adaptation...

Un pays intéressant où la nature révèle sa beauté par son chaos. Ici, le mont Kirkjufell. J'aurais aimé l'axe de symétrie au centre mais avec cette focale, c’était soit les rochers au premier plan, soit la symétrie et j'ai fait ce choix la.

Ouverture: f/9
Iso: 100
Expo: 1/100 s
Focale: 18mm

YouTube

Le soir, juste apres le coucher de soleil. 
F/9
Iso 125
1/250

Un endroit magnifique. Juste apres avoir pris cette photo je suis allé jusqu'au bout pendant un long moment et j'ai pu observer plusieurs dauphins, des fous de bassan ainsi qu'une baleine qui a d'ailleurs donné quelques frayeurs a un bateau en apparaissant et plongeant regulierement a ses bords. Je n'ai pas pu les photographier a cause de la luminosite (juste un aileron de je ne sais quoi et flou de surcroit)...

Une vieille photo prise au 55-250 canon, pas fait du tout pour de la macro, mais il se défend en proxy je trouve...

J'ai hésité avec le g/questions mais finalement il me semble que ce sera le groupe le plus approprié.
Donc voilà, je souhaite m'acheter assez rapidement un drone et hésite entre ces deux là. Mon seul but est de réaliser de la photo donc les différences de vitesse et de portée ne m’intéressent pas vraiment. Selon vous lequel des deux est le plus adapté à une pratique purement photographique? D'un coté le Mavic Pro m’intéresse pour sa grande compacité et ses vols stationnaires apparemment très au point mais le Karma me fait pas mal de l'oeil notamment grâce au fait que le drone pourra évoluer avec les technologies gopro, il suffira simplement de changer la caméra (de meilleure résolution que celle du Mavic en ce qui concerne la hero 5 black, mais vient le probleme de la distorsion). Bref, je suis en grand questionnement donc je fais appel à vous, notamment aux adeptes de la photo aérienne!

PS: Nibbler, malgré ton passé de pilote traumatisé, tes conseils sont bienvenus

Je suis dans les Alpes pour quelques jours et j'ai voulu traquer ces présences humaines en plein milieu de la nature, comme des apparitions incongrues. (Photo supplémentaire en com)

Iso:100
Ouverture: f/8
Temps d'exp: 1/1000 s

Peu de réalisateurs peuvent se vanter de générer une telle véhémence autour de leur œuvre comme le fait Gaspar Noé. D’une part, il a réussi à construire un cercle relativement restreint mais solide de fans avides de ses créations ; d’autre part il est l’un des cinéastes les plus raillés, méprisés voire carrément haïs par la critique et les spectateurs. Je fais partie de la première catégorie et je vais même plus loin en considérant Gaspar Noé comme l’un des plus grands réalisateurs français et comme un moteur essentiel au cinéma moderne.

	Beaucoup caractériseront son cinéma par sa subversion ce qui n’est pas totalement faux (contrairement à ce que défend Noé lui-même) mais ce n’est clairement pas la marque fondamentale et significative de son œuvre.
	En revanche, chacun de ses films sont empreints d’une volonté expérimentale aigüe. Pour chaque métrage, il s’est emparé d’une contrainte technique ou stylistique qu’il transcende toujours magistralement :

	-Seul Contre Tous donnait l’accès à toutes les pensées du personnage avec une grande pertinence. La « voix » que l’on entend dans notre tête était dépeinte dans toute sa discontinuité et son absurdité.

       -Irréversible et sa caméra voyeuriste et perverse n’offrant aucune concession à la réalité si ce n’est une déformation du temps (montage renversé).

      -Enter the Void comme une expérience de projection astrale en vue subjective.

      -Love et sa volonté de représentation sexuelle explicite et passionnelle intégrée à un propos d’auteur dramatique.

	Son troisième long-métrage, Enter the Void, est celui qui lui a demandé le plus de travail. S’appuyant sur un script solide et très structuré (en opposition totale avec la conception d’Irréversible), Gaspar Noé ne laisse que très peu de place au hasard.

	Très rapidement sur l’histoire (car l’intérêt du film ne réside pas là), nous suivrons Oscar, un jeune toxicomane désabusé et aux angoisses refoulées perdu dans les bas-fonds nauséabonds et démentiels de Tokyo. Il doit réaliser un échange de drogue. Surpris par une embuscade, il tentera de fuir avant de se faire tuer. Voilà les 20-30 premières minutes du film.

	Souvent, les créations de Noé sont des œuvres sensitives qui échappent à toute intellectualisation. Elles font appel à nos sensations les plus primitives voire à nos propres souvenirs (Love). Enter the Void est un parfait exemple de cette démarche. Je l’ai dit, le parti pris de mise en scène est de suivre ce personnage au travers de sa propre vision. Jamais le concept de caméra subjective n’aura été aussi abouti. Ainsi, nous verrons ses paupières cligner, sa vision altérée par les différentes drogues, nous participerons à ses hallucinations et entendrons même sa voix modifiée par la résonance du crâne (vous savez lorsque vous semblez découvrir votre propre voix sur un enregistrement…). Cette expérience est fascinante mais elle le devient encore plus lorsque, avec Oscar, nous tomberons au sol d’une chiotte tokyoïte miteuse, une balle logée dans le poitrail. En effet, le pari du film ne s’arrête pas là et nous poursuivrons les visions du personnage durant une projection astrale hallucinante, sorte de lente descente aux enfers où nous côtoierons le vice humain dans toute sa folie et sa beauté. C’est également durant cette projection que nous en apprendrons plus sur le passé du personnage et notamment sur un souvenir d’enfance particulièrement douloureux qui se transformera peu à peu en un instant traumatique partagé par le spectateur.

	Plus techniquement, conformément au défi que s’est imposé Gaspar Noé, le film présente de très longs plans séquences fantomatiques montés avec fluidité de sorte à donner l’illusion d’une continuité.

	Le réal nous offre une vision d’un Tokyo nocturne sous psychotropes bariolé et baignant dans la lumière artificielle de néons grésillant et rythmé par la musique lancinante des nightclubs sordides. Tout est optimal pour emmener le spectateur dans un trip dont il ne sortira que 2h40 plus tard.
        Il s’agit clairement d’un film à voir, pour sa singularité mais aussi et surtout car c’est une œuvre rare, qui appelle au corps comme jamais aucun film n’y était parvenu auparavant. 9.5/10





Jean-Luc Godard : l’instigateur du nouveau cinéma français, le génie avant-gardiste, le grand maître de la Nouvelle Vague… ou pas. J’ai rencontré l’ami Godard avec ‘A bout de souffle’ et ai tout de suite détesté le personnage. Comme énormément de personnes, je n’ai pas pu blairer cette approche extrêmement prétentieuses et, à mon sens, lacunaire du cinéma. Bref, lui et moi avons démarré sur de bien mauvaises bases mais je ne souhaitais pas en rester là. J’ai donc écumé sa filmographie afin d’en apprendre plus et de me réconcilier avec cet artiste. Beaucoup de disputes ont suivi, me donnant parfois l’envie d’abandonner tout espoir concernant cet homme. Puis vint ce film : Alphaville, une étrange aventure de Lemmy Caution.


Dans un futur dystopique, l’agent secret Lemmy Caution est envoyé sur la ville-planète d’Alphaville. Sa mission est de neutraliser le professeur Von Braun qui règne en maître sur la cité. Caution va donc mener sa petite enquête, guidé par Natacha à travers des rues et lieus sinistres peuplés d’êtres aliénés et dénués de toute émotion. C’est un séjour intriguant durant lequel notre agent sera confronté, par exemple, à l’autorité de la logique d’Alpha-60, l’intelligence artificielle responsable de l’ordre dans la ville ou rencontrera un étrange peloton d’exécution dans une piscine municipale.



Entendons-nous bien : non, ce film n’échappe pas à l’éternelle prétention de Godard et il demeure horripilant par bien des aspects (un montage invraisemblable et agressif, la voix-off d’Alpha-60 éructée ou encore l’absence de jeu des acteurs). Cependant, TOUT SE JUSTIFIE. Alphaville comme état totalitaire particulièrement oppressif et aliénant n’est finalement qu’un reflet extrême de notre propre système moribond ne laissant plus que très peu de place à l’humanité.



Certaines idées de mise en scène ou d’écriture sont très fines et comiques comme le récurent « Je vais très bien merci je vous en prie » qui nous rappelle nos propres formules de politesse insensées tenant plus du réflexe pavlovien que d’une réelle volonté bienveillante. Alpha-60 est également une belle illustration d’un pouvoir structuré, administratif ne respectant qu’une logique à la rigueur mathématique et complétement déphasé avec le moindre éclat d’humanité. Finalement, Lemmy Caution offre un regard très ingénu sur cet univers et il incarne un contre-pouvoir supportant la « vérité ». Seulement il ne s’agit que de « sa vérité », son « idéologie ». Et c’est ainsi que le long métrage échappe au manichéisme qui tournoyait au-dessus de sa tête.



Pour finir, visuellement, il s’agit je crois de l’un des plus beaux films de Godard. Malgré son manque évident de budget, il réussit magistralement à transcrire une ambiance futuriste et dystopique  qui a peu de choses à envier à un Dark City ou autre Blade Runner (sans la maestria des décors).


Je recommande donc chaudement ce long-métrage si vous ne l’avez pas encore visionné surtout si, comme moi, votre histoire avec Godard est tumultueuse. Peut-être qu’Alphaville saura vous convaincre également et apaisera votre rapport avec ce réalisateur mythique. 7.5/10


Rien de palpitant, si ce n'est ce sourire sincère capturé dans la ville de Porto.
Ouverture: f/5
Temps d'expo: 1/200 s
Iso: 100
Focale: 28mm

Très court essai paru en 1952 et rédigé par l'écrivain et journaliste suédois Stig Dagerman, Notre besoin de consolation est impossible à rassasier (Vårt behov av tröst är omättligt) est la démonstration même de sa puissance poétique: une prose brillante, réflexive et désespérément pleine d'espoir. Stig Dagerman se suicidera deux ans après la parution de cet ouvrage, qui prend alors soudain les airs d'un ironique épitaphe. 

http://chabrieres.pagesperso-orange.fr/texts/consolation.html

La littérature regorge de fictions tellement géniales que l’on révérait d’en voir une adaptation magistrale à l’écran. Certaines sont tellement incroyables et échappent à notre perception à un point tel qu’elles résistent encore au septième art (je traverse ma vie dans l’espoir de voir l’univers de Lovecraft se réincarner dans une salle sombre), d’autres, à l’inverse ont été exploités et parfois souillées jusqu’à épuisement sans pour autant que l’essence de l’œuvre parviennent à être distillée. C’est le cas du célébrissime roman de Lewis Caroll : Alice's Adventures in Wonderland. Très convoitée par les cinéastes, Alice a mainte fois tournée pour une tripotée de projets en tout genre : la caméra se braque sur elle dès 1903 pour une carrière qui ne s’est toujours pas achevée, de comédies musicales kitschissimes aux comédies musicales pornographiques en passant par des films d’animation japonais et européen sans oublier la tristement célèbre ‘affaire Burton’,un viol terrible jamais condamné que nous essayons tous péniblement d’oublier… 


Une adaptation se distingue des autres par sa singularité et son inventivité : celle de Jan Svankmajer sortie en 1988 (titre original: Neco z Alenky).
L’histoire, nous la connaissons tous, la jeune Alice décide de suivre un étrange lapin blanc et se retrouve plongée dans un univers étrange régit par des codes et une structure grotesque et drolatique. Disons que Svankmajer n’aura pas réellement retenu ce dernier aspect et se reposera sur la facette glauque de l’univers de Caroll. 


Toute la mise en scène repose sur un visuel très surréaliste mélangeant images réelles et stop-motion. Ainsi, nous retrouverons tous les principaux personnages du récit original animés de cette façon. Nous sommes plongé dans l’imagination de la jeune fille et Svankmajer laisse à priori peu de place au doute : le métrage est entrecoupé d’interventions narratives d’Alice dont la bouche est filmée en gros plan. Nous savons donc à quoi nous en tenir durant le visionnage et le ressenti n’en est que plus malsain : comment un monde aussi morbide peut-il surgir d’un esprit si naïf ?


Alice de Svankmajer est un long-métrage qui mérite d’être vu surtout si, comme moi, vous êtes avides d’interprétations de l’univers de Lewis Caroll. Onirique et cauchemardesque, il risque d’être ennuyeux voire irritant par sa réalisation excentrique mais il s’agit pourtant, je crois, d’une voie dans laquelle s’engouffrer pour tirer d’Alice aux pays des Merveilles un chef d’œuvre cinématographique. 7/10


Lors de mon trip en Ecosse, je suis allé sur l'île de Staffa. Il s'agit d'une toute petite île déserte connue pour les très nombreux orgues basaltiques ornant sa grotte marine. Elle abrite également l'une des plus grande colonie de macareux moines (quelques centaines). Ces oiseaux n'ont jamais connu aucune prédation humaine et ne sont donc pas du tout effrayés par notre présence (en vous allongeant prés des falaises vous vous retrouvez rapidement avec une dizaine de macareux vous marchant dessus ou presque). C'est un spectacle fascinant.
Iso:400
Ouverture: f/5.6
Temps d'expo: 1/400 s
A 250mm.
(Portrait d'un oiseau en commentaire)

Si l’on s’en tient à la définition donnée par Wikipédia, un nanar « est un film tellement mal réalisé et ridicule qu'il en devient involontairement amusant et comique ». Comment peut-on sérieusement qualifier Zardoz de nanar ? Ce film de John Boorman a selon moi accédé à la célébrité pour de bien mauvaises raisons. Coupons court au débat –car il n’existe pas- : NON, Zardoz n’est en rien un nanar ; ou alors tout film un tant soit peu marginal pourrait s’enticher de cette étiquette, il faut le dire, bien peu enviable.


Passons rapidement au synopsis, ce long-métrage raconte le périple de Zed, un guerrier des ‘brutes’, peuple d’agriculteurs guidé par la violence. Plus intelligent et déterminé que ses compères débilos, Zed décide de découvrir ce qui se cache derrière Zardoz, une entité divine incarnée par un gigantesque masque de pierre ravitaillant régulièrement les  ‘brutes ‘ en armes et munitions. 
Après avoir tué Dieu (cela se passe dans les 10 premières minutes, pas d’inquiétude), il découvre le peuple des Eternels, société élitiste ayant accès au savoir suprême et vivant à l’écart dans un havre de paix. Son arrivée inopinée va susciter un profond désaccord parmi les Eternels et entrainer un schisme au sein du groupe pourtant si bien réglé. 


C’est un film qui aborde une multitude de thème, de la sexualité à la dichotomie vie/mort en passant par un propos sur la religion –le communautarisme en général- ou encore sur les pulsions. Tous ne sont pas très approfondis et je consens que ce soit reprochable. Mais que l’on ne vienne pas le qualifier de risible détritus lorsque Nicolas Winding Refn, par exemple, pond un The Neon Demon aux propos tout autant survolés et pourtant souvent couvert d’éloges. 

Je crois que Zardoz met très bien en évidence l’hypocrisie –parfois involontaire- dont fait preuve beaucoup de cinéphiles (et c’est extensible à tous les arts). Evidemment, l’Art est quelque chose de subjectif mais cela ne veut pas dire que le spectateur doit s’affranchir de toute objectivité. Au contraire, il y a je pense beaucoup de paresse intellectuelle à présent et il est de plus en plus fréquent de diviniser tel ou tel réalisateur jusqu’à perdre le recul nécessaire sur ses œuvres. Et le même mécanisme d’association à des ‘cases’ est valable dans le sens inverse. Je pense que beaucoup de gens ont démarré Zardoz dans l’espoir d’y trouver un nanar bien désopilant et stupide. Alors, chaque élément quelque peu singulier devient un prétexte à la rigolade et la franche moquerie (comme le look résolument moustachu de Connery). C’est bien dommage…


Visuellement, le film est tout à fait correct, certains plans étant même particulièrement beaux. Nous sommes sans arrêt plongés dans des décors et ambiances psychédéliques que certains trouveront kitsch et que d’autres adoreront. Rappelons que le film n’a bénéficié que d’un budget ridicule d’1 million de dollar (dont 20% dédiés à Connery). En considérant cela, le résultat final est vraiment phénoménal.

Oui, il a des défauts, des longueurs, des points noirs, mais Zardoz est un film qui mérite complétement d’être vu et d’être considéré en tant qu’autre chose que le bouffon un peu stupide du fond de la classe. Arrêtons de rire de lui et écoutons-le, il a beaucoup de choses à dire.  7.5/10




Note : Boorman peut se vanter d’avoir effectué l’utilisation la plus improbable du second mouvement de la Symphonie 7 de Beethoven…


Il s'agit du Comcast Center soit le plus grand building de Philadelphie. Il fait 300m de haut (taille de la tour Eiffel). Mon premier désir dans cette photo était  de changer les sensations de distances (l'immeuble semble ici tout petit et je pense qu'il est étudié pour obtenir cette sensation du pied de l'immeuble). Lorsque le soleil est bien placé, un enfoncement dans le haut de l'immeuble devient complétement sombre à cause de l'ombre, j'ai voulu capturer ce moment. Je souhaitais aussi avoir un rendu minimaliste puisque les photographes qui m'inspirent le plus sont ceux qui s'affranchissent de toutes fioritures, je travaille donc à ça...
Ouverture: f/9
Temps d'expo: 1/1000 s
Iso: 100
Focale: 40mm

Tetro

Des nymphéas

Entre ciel et terre

Film à voir: Funny Games de Michael Haneke

Un arbre, entre Automne et Hiver

O.F.N.I. #14- A Ghost Story

Un zygène

The Shape of Water- Critique à chaud

Kirkjufell - Islande

Le Rappel des Oiseaux de Rameau à la guitare youtube.com

Neist Point- Ecosse

Gil Evans - Where Flamingos Fly youtube.com

La Chaconne- Bach (au clavecin par Jean Rondeau)youtube.com

Petit papillon

DJI Mavic Pro ou GoPro Karma?

Mighty Sam McClain - When the Hurt is Over...youtube.com

L'Homme est partout

Alex Noriega-Paysages: textures et abstractions

O.F.N.I. #13- Enter The Void

O.F.N.I. #12- Alphaville

Un sourire de Porto

Stig Dagerman- Notre besoin de consolation est impossible à rassasier

O.F.N.I. #11- Alice

Macareux moines

O.F.N.I. #10- Zardoz

Le monolithe